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Berlin

3D exhibitions

  • Art In Flow

    Manfred Kirschner. Nur für heute

    Es gibt Zeiten, die mehr Camp sind als andere, denn Camp hat nie seine Fähigkeit verloren, subversiv zu sein. Die 60er wie die 80er gehören dazu und möglicherweise auch die Zeit, in der wir heute leben. Camp ist ein Begriff, der eine Ästhetik der Überstilisierung beschreibt, das Frivole, Zweideutige und Künstliche feiert. Es ist ein Bewusstsein mit Geschick zur Übertreibung und auch eine Brücke zwischen akademischer Kunst und Popkultur bis Kitsch. Kirschners Collagen und Malereien zeigen wie diese Ästhetik auf das Programm der „Individuellen Mythologien“ eingewirkt hat, die seit den 1990er Jahren unter Verzicht eines monumentalen Ernstes à la Beuys, vielmehr mit schräger Ironie und einer Faszination für Popkultur an komplex-verschrobenen Welten baut. Fotografierte Personen, Puppen und Plastiken in einer druckgrafischen Landschaft, Fotomodels in einem klassischem Gemälde, farbfotografische Personen in einem Schwarzweißbild, oder umgekehrt in einer Farbwelt sind in seinen Bildern kombiniert und arrangiert. Die Collagen sind mit einer Schere gefertigt und auf Leinwand aufgezogen. Das Papier ist gegen Ausbleichen konserviert und wurde versiegelt. Das Material ist einer Sammlung von Illustrierten und von Druckwerken der 50er Jahre bis heute entnommen. “Man kann das Belanglose ernst nehmen und sich dem Ernsten gegenüber belanglos geben.“ (S. Sontag) Der zeitgenössische Künstler Manfred Kirschner beschäftigt sich in einem subjektiven Prozess mit einer Neudefinition kultureller Bedeutungen, indem er eine überholte Vergangenheit neben derjenigen, die technologisch, stilistisch und zeitgenössisch ist, gegenüberstellt. There are times that are more Camp than others, for Camp has never lost its ability to be subversive. The '60s and the '80s are part of it and possibly also the time we live in today. Camp is a term that describes an aesthetic of over stylization that celebrates the frivolous, the ambiguous and the artificial. It is an awareness with the skill for exaggeration and also a bridge between academic art and pop culture to kitsch. Kirschner's collages and paintings show how this aesthetic influenced the program of "Individual Mythologies", which since the 1990s has relied on a monumental seriousness à la Beuys, rather building with a jarring irony and a fascination for pop culture on complex, eccentric worlds. Photographers, puppets and sculptures in a printmaking landscape, photographic models in a classic painting, color photographic people in a black and white image, or vice versa in a color world, are combined and arranged in his works. The collages are made with scissors and mounted on canvas. The paper is preserved against fading and sealed. The material is taken from a collection of magazines and prints from the 50s to today. "You can take the trivial seriously and give yourself irrelevant to the serious." (S. Sontag) Contemporary artist Manfred Kirschner engages in a subjective process with a redefinition of cultural meanings, juxtaposing an outdated past with the technological, stylistic, and contemporary.

  • Art In Flow

    Aleksandra Koneva. Fucking Russian Soul

    Dies ist keine politische Ausstellung, obwohl sie die Hintergründe einer Mentalität befragt. Was ist das: „die russische Seele?“ - ist sie auch ein Exportprodukt wie Wodka, Kaviar oder der Don Kosaken Chor? Möglich, dass sie ein Erbe der großen russischen Schriftsteller und Dichter wie von Puschkin, Leskow, Gogol, Dostojewski, Nekrassow und Jessenin ist. Denn sie haben die Charaktere und Handlungen geschaffen und die bis dahin unbekannte russische Melancholie mit all ihre Paradoxien und Extremen beschrieben. Die Künstlerin Aleksandra Koneva liebt es in ihren Werken zu spielen. Sie spielt mit den Sinnen, mit Gefühlen, mit Gegenständen und mit unterschiedlichen Materialien. In der Serie „Blini à la carte“ bearbeitet Koneva den Blin (Pfannkuchen), eine aus Osteuropa stammende Teigspeise als Thema. In „Dostojevski und Disney II“ verrät schon der Titel der Serie, dass es um die dunkle Welt des russischen Schriftstellers und das bunte Reich des amerikanischen Films geht. Die berühmten Disney Figuren haben Anfang der 80er Jahre einen Weg durch den eisernen Vorhang gefunden. In Konevas Kunst sind sie seitdem eine Art begleitende Versuchsobjekte. In ihren analogen s/w Fotografien siedelt sie die Disney Figuren in ihrer Heimatstadt Petersburg an, um zu sehen wie sie auf harte soziale Bedingungen, Armut und Kälte reagieren. In diesem „Russifizierungsprozess“ haben sie sichtlich an Glanz und Glamour verloren, sie sind krank, alt und obdachlos geworden, aber sie haben überlebt. Die aus Holzplatten geschnittenen übermannsgroßen Figuren sind mit Materialien bekleidet, die daran erinnern, wie in sozialistischen Zeiten defekte Materialien nicht einfach weggeworfen wurden, sondern eine andere Verwendung fanden. Konevas Objekte und Fotografien verkörpern ein Stück Kulturgeschichte, in der wertvolle und kitschige, anspruchsvolle und bizarre Dinge nebeneinander stehen. This is not a political exhibition, although it examines what underlies a mentality. What is this thing, »the Russian soul«? – is it also an export product like vodka, caviar, or the Don Cossack choir? Maybe it’s a legacy of the great Russian writers and poets like Pushkin, Leskov, Gogol, Dostoyevsky, Nekrassov, and Jessenin. Because they created the characters and plots and described the formerly unknown Russian melancholy, with all its paradoxes and extremes. The artist Aleksandra Koneva loves to play in her works. She plays with the senses, with feelings, with objects and various materials. In the series »Blini à la carte«, Koneva works with the theme of the blin, a thin pancake prepared in Eastern Europe. In »Dostoyevsky and Disney II«, the series title already reveals the focus on the dark world of the Russian author and the colorful realm of American film. The famous Disney figures found a path through the Iron Curtain at the beginning of the 1980s. In Koneva’s art, they have been a kind of constant experimental objects. In her analog black-and-white photos, she settles the Disney figures in her home city, Petersburg, to see how they react to the harsh social conditions, poverty, and cold. In this »Russification process«, they have visibly lost their glow and glamour; they have grown ill, old, and homeless, but they have survived. The larger-than-life-sized figures cut from wooden panels are covered with materials that remind us how, in socialist times, defective materials were not simply thrown away, but put to other uses. Koneva’s objects and photographs embody a piece of cultural history that juxtaposes the valuable and the kitschy, the sublime and the bizarre.

  • Art In Flow

    Lupe Godoy. Botánica

    Die spanische Künstlerin Lupe Godoy widmet sich in ihrem Werk besonders der Collage. Das Material ihrer Arbeiten stammt aus verschiedensten Quellen, wie beispielsweise aus Kunst-, Mode- oder Lifestyle-Magazinen. Die Ausschnitte vermischt sie mit japanischer Tusche und Farbe. Die Materialität des Papiers, sein Alterungsprozess und die Druckqualität spielen eine zentrale Rolle für ihre künstlerischen Entscheidungen, Serien und Erzählungen. Lupe Godoy´s Collagen aus (re-) produzierten Fotografien thematisieren Überfluss, Kunstgeschichte, Geschlechterrollen und Ökologie. Sie hinterfragen unsere Vorstellungen von Schönheit, unser Bild des Anderen und des Fremden. The Spanish artist Lupe Godoy, based in Berlin, focuses in her work mainly on Collage. The material of her work comes from a variety of sources, such as art, fashion outdoors and lifestyle magazines. The cut-outs are mixed with Japanese ink and acrylic paint. The materiality of the paper, its aging process and the print quality play a central role for her artistic decisions and narrations. Lupe Godoy's collages of recycled photographs focus on abundance, art history, gender roles and ecology. They question our notions of beauty and our image of the other.

  • Art In Flow

    Ana Michaelis. Memory Talks

    Painting of landscapes touches fundamental questions about life and the relation between humankind and nature. The Brazilian painter Ana Michaelis creates memories of views we have hardly seen, but become as live as our own remembrances. This presence is ephemeral, as time in her paintings works as a quick instrument that erase and vanishes the images of the memory. From photographs, drawings, but mainly from memory the artist paints the landscape in black and white, applying strong nuances of these colors. Over it, a white layer of paint transforms the image, bearing its disappearance. The finished canvas resembles a memory that doesn’t belong us, allowing an anonymous past alive in our present. The process of covering the image with paint layers that permeate and weaken those images, strengthen the succession and passage of time that can not be represented by independent moments. Although at first sight we see a white canvas or a frozen scene, slow and continuously afterwards, the same image seams to appear and vanish. In spite of the lack of humanity or signs of its participation, the landscape may suggest a timeless environment, but its whiteness allows the passage of time to reveal itself. (Cauê Alves)

  • Art In Flow

    Silvia Klara Breitwieser. Stille Wasser/ Silent Waters

    Silvia Klara Breitwieser arbeitet mit Objekt, Raum und Konzept auf dem Hintergrund der Bildhauerei. Wenn sie Bilder schafft, sind es Bildwerke und Gebilde, die durch das Medium der Fotografie entstehen. »Bauen mit Bildern« und »das Cycling und Recycling zwischen Objekt und Bild« sind ihr Konzept. Die konkreten Mittel sind Montage- und Collage-Techniken, mit denen sie sich vom Abbild und der Flächigkeit befreit. Verwandlung und dadurch entstehende neue Wirklichkeiten interessieren die Künstlerin. Die Ausstellung »Stille Wasser« zeigt verschiedene Serien. Ausgehend von Fotos einer Paris-Reise, auf denen die damals neue Glaspyramide mit Granitbrunnen vor dem Louvre zu sehen sind, entwickelte sie die Wasserbilder »LIQUID-SQUARES« (1988ff.). Die Klarheit der geometrischen Grundformen montierte sie mit organischen Formen wie dem Element Wasser. »PRESQUE RIEN (GRÜNE SEQUENZ)« (1990) entstanden aus der Faszination, die sie angesichts ihrer analogen Farbfotografien von Gegenständen in Museumsvitrinen erlebte. Statt Sachfotos zu werden, entwickelten diese ein Eigenleben. Ursprünglich querformatige Landschaftsfotos aus dem Süden, mit Nebel und am Abend, wurden durch Hochstellen, durch Verdoppelungen und spiegelverkehrtes Aneinanderbauen zu eigenartigen Körpern, den »NATURAL BODIES« (1992/1993). »SUNT LACRIMAE RERUM« (DIE TRÄNEN DER DINGE, 1996) bezieht sich auf den Ausruf des griechischen Helden Äneas in Vergils Äneis angesichts eines Bildes von den Trümmern Trojas: Auch die Dinge können leiden....! Der Welt liegen Trauer und Schmerz zugrunde. Die Arbeiten entstanden zu dem Reise- und Ausstellungsprojekt »Die Römische Spur« in Südfrankreich, in dem es um das Geheimnisvolle und Rätselhafte antiker Spuren in der Landschaft und der heutigen Zeit ging. Silvia Klara Breitwieser works with object, space and concept on the background of sculpture. She creates sculptures and formations that emerge through the medium of photography. »Building with pictures« and »the cycling and recycling between object and picture« are her concepts. The concrete tools are montage and collage-techniques, with which she liberates herself from the image and the flatness. Transformation and the resulting new realities are of great interest to the artist. The exhibition »Stille Wasser/ Silent Water« shows different series. Based on photos from a trip to Paris, where the then new glass pyramid with granite fountains can be seen in front of the Louvre, she developed the water pictures »LIQUID-SQUARES« (1988ff.). She assembled the clarity of the basic geometrical forms with organic forms such as the element of water. »PRESQUE RIEN (GREEN SEQUENCE)« (1990) arose the fascination she experienced with objects in museum showcases in regard to her analogue color photographs. Instead of becoming factual photos, they developed a life of their own. Landscape photographs from the south, initially in horizontal format, were turned into peculiar bodies, »NATURAL BODIES« (1992/1993) by rotating them verically, by dublication and mirror-inverted assembly. »SUNT LACRIMAE RERUM« (1996) refers to the exclamation of the Greek hero Aeneas in Vergil's Aeneid when faced with the ruins of Troy: Even things can suffer ....! The world is based on grief and pain. This series was created for the travel and exhibition project »The Roman Trail« in the South of France, which dealt with the mysterious and enigmatic traces of antiquity in the landscape of today.

  • Art In Flow

    Poul R. Weile. I Love Grey - an exhibition concept

    Poul R. Weile experimentiert seit 1997 mit einem Handscanner. Dieser Bereich zwischen Fotografie und Zeichnung ist für den Künstler eine graue Zone, die er besonders liebt. So bewegt sich das Ausstellungskonzept „I Love Grey“ zwischen Realität und Abstraktion und präsentiert mit gedruckten Scans, Videos, Performance und Skulptur die verschiedenen Möglichkeiten dreidimensionale Körper auf zweidimensionalen Flächen zu studieren. Die Werke werfen Fragen der Wahrnehmung, des Geschlecht, des Alter und der ethnischer Herkunft auf, - unser Körper als grundlegende Realität. Die Konzeption zur Erforschung menschlicher Wahrnehmung durch einen Handscanner knüpft an Experimente in der Fotografie von Man Ray und Marcel Duchamp wie die Doppelbelichtung oder der Bewegung im dunklen Raum. Indem Poul R. Weile die kubistische Idee auf das Foto überträgt, folgt er dem Dadaistischen Weg und führt ihn weiter. 2011 intensivierte der Künstler seine Arbeit mit dem Handscanner und benennt diese faszinierende Foto-Methode "Zeichnung mit Fotografie" oder "Kubistische Fotografie". Since 1997 Poul R. Weile has been experimenting with a hand scanner. He has a particular love for the grey zone in the area between photography and drawing. Presented with printed scans, videos, performances and sculptures the exhibition "I Love Grey" moves between reality and the abstract, exploring the different possibilities to study three-dimensional bodies on two-dimensional surfaces. The works raise questions of perception, gender, age and ethnicity - our body as a basic reality.The concept for the exploration of human perception by a hand scanner is based on experiments in photography by Man Ray and Marcel Duchamp, such as double exposure or movement in the dark space. By transferring the Cubist idea to the photograph, Poul R. Weile follows the Dadaist path and persues it further. In 2011, the artist intensified his work with the hand scanner and named this fascinating photo method "drawing with photography" or "cubistic photography".

  • Art In Flow

    Lutz Brandt. Fliegende Bauten

    Gegenstand der gegenwärtigen künstlerischen Auseinandersetzung des Malers und Architekten Lutz Brandt ist der Diskurs über die Anatomie des Raumes, der sich in designfuturistischen Konstruktionen manifestiert. Die Farben sind deckend und scharf beschnitten, zuweilen schrill. Die Bilder erinnern an technische Computerzeichnungen und virtuelle Modelle ebenso wie an außergewöhnliche Verwüstungen durch Naturkatastrophen. Brandt zeigt eine Vorliebe für Weite und Sehnsucht nach tiefen Horizonten, die sich mit urbanen Räumen und Freilandblick abwechseln. Städtebauliche Versatzstücke und Architekturelemente prägen die Silhouetten. Sein Vokabular ist in vielen Reisen durch Arizona, Nevada und Kalifornien gereift. „Mit dem Motorrad hautnah abgerollt“. Auch die Wüste Gobi und die Sahara sind Quellen seiner Inspiration. Die Gemälde atmen den unverwechselbaren „American Spirit“. Sie zeigen Orte voll Melancholie und Geschichtslosigkeit, Orte des Wartens und des Vorübergehens, defekte Landschaften, zerfurcht und gequält durch unzählige Explosionen, kontaminierte und verletzte Truppenübungsplätze. Designfuturismus und Konstruktivismus in der Architektur der 80/ 90er Jahre bilden den geistig-formalen Hintergrund der impressiven Gemälde von Lutz Brandt. Zeitgenössische Architekturvisionen von Zaha Hadid, Rem Koolhaas, Lebbeus Woods und Thom Mayne dürfen hierbei durchaus assoziiert werden. Der Betrachter fühlt sich von den menschenleeren Landschaften gleichermaßen angezogen wie auch mit leichtem Frösteln gewarnt. Seine eigenartig vertrauten und zugleich phantastischen Bilder changieren zwischen Alltag und Alptraum, zwischen Atmosphäre und Abgründigem, zwischen Spektakel und Meditation. Alles schwankt zwischen Drama und Poesie. Den Betrachter beschleicht bei jedem Gemälde ein Déja-vu-Gefühl. (uo)

    latest works

    • Manfred Kirschner

      Ok, gut, 2019
      60.0 x 70.0 cm (w x h)
      Mischtechnik, Papier, Leinwand
      € 550
    • Manfred Kirschner

      Ich kämpfe um Dich/ Nach Salvador Dali, 2011
      360.0 x 270.0 cm (w x h)
      Acryl auf Leinwand / acrylic on canvas
      € 7000
    • Manfred Kirschner

      Unmißverständlich, 2019
      70.0 x 70.0 cm (w x h)
      Papier auf Leinwand
      € 900
    • Manfred Kirschner

      Kauf mich dann können wir zusammen bleiben, 2019
      150.0 x 120.0 cm (w x h)
      Öl/ Papier auf Leinwand
      € 2500
    • Manfred Kirschner

      Cocktailbird, 2019
      40.0 x 40.0 cm (w x h)
      Papier auf Leinwand
      € 500
    • Manfred Kirschner

      Und sie hat Streifen, 2018
      40.0 x 40.0 cm (w x h)
      Papier auf Leinwand
      € 750
    • Manfred Kirschner

      The Wedding, 2017
      30.0 x 30.0 cm (w x h)
      Papier auf Leinwand
      € 450
    • Manfred Kirschner

      The Return, 2018
      15.0 x 18.0 cm (w x h)
      Papier auf Leinwand
      € 700
    • Manfred Kirschner

      Seit Freud gesagt hat, 2019
      100.0 x 100.0 cm (w x h)
      Mischtechnik/ Papier auf Leinwand
      € 1900
    • Manfred Kirschner

      People are people, 2018
      50.0 x 50.0 cm (w x h)
      Papier auf Leinwand
      900
    • Manfred Kirschner

      Paraphrase oder Running up that hill, 2017
      30.0 x 40.0 cm (w x h)
      Papier auf Leinwand
      € 900
    • Manfred Kirschner

      Outside the ring, 2019
      60.0 x 90.0 cm (w x h)
      Acryl/ Papier auf Leinwand
      € 750
    • Manfred Kirschner

      One Night in Bangkok, 2018
      24.0 x 30.0 cm (w x h)
      Papier auf Leinwand
      € 450
    • Manfred Kirschner

      Nur so work, 2017
      140.0 x 130.0 cm (w x h)
      Papier auf Leinwand
      € 2100
    • Manfred Kirschner

      Lauf Rasenmäher lauf, 2016
      40.0 x 30.0 cm (w x h)
      Papier auf Leinwand
      € 450
    • Manfred Kirschner

      Kleine Fassbinder Collage, 2018
      50.0 x 50.0 cm (w x h)
      Papier auf Leinwand
      € 800
    • Manfred Kirschner

      The voice, 2017
      50.0 x 50.0 cm (w x h)
      Papier auf Leinwand
      € 800
    • Manfred Kirschner

      Stay with me, 2018
      50.0 x 50.0 cm (w x h)
      Papier auf Leinwand
      € 800
    • Manfred Kirschner

      Mon doudou, 2018
      50.0 x 50.0 cm (w x h)
      Papier auf Leinwand
      € 800
    • Manfred Kirschner

      It will happen, 2016
      18.0 x 24.0 cm (w x h)
      Papier auf Leinwand
      € 370
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