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Yvonne Sanguineti Galería de Arte

Yvonne Sanguineti Galería de Arte

Yvonne Sanguineti Galería de Arte

Yvonne Sanguineti Galería de Arte

La Galería de Arte Yvonne Sanguineti, ubicada en el tradicional distrito de Barranco, desarrolla desde su fundación actividades vinculadas a la difusión, promoción y asesoría en temas de arte, así como a la comercialización de objetos de artes plásticas.


Contamos con dos salas de exposición temporal donde se presentan trabajos en pintura, escultura, fotografía, cerámica y grabado, así como instalaciones y soportes que reflejen las nuevas tendencias del arte en nuestro medio.


Nuestras muestras individuales y colectivas, de cuya curaduría nos encargamos, son programadas anualmente y tienen una duración de un mes. Esto con el doble objetivo de, por un lado, dar cabida tanto a artistas de reconocida trayectoria así como a jóvenes valores egresados de nuestras escuelas de arte, y por otro lado satisfacer plenamente las demandas de nuestros clientes.


La atención que ofrecemos se caracteriza primordialmente por ser especializada y personalizada; por ello, nuestro profesionalismo está dirigido a la implementación efectiva de nuestros recursos en la dirección y desarrollo de proyectos de tasación, curaduría, asesoramiento en el diseño de colecciones, desarrollo de proyectos, autentificación y venta de obras de arte.


www.yvonnesanguinetigaleria.com
galeria@yvonnesanguinetigaleria.com
Cel. 999177481 - 993305418 - Telf. 4036573

3D exhibitions

  • Yvonne Sanguineti Galería de Arte

    La fuerza escondida / Fernando de la Jara

    17 Jul 2021 – 10 Aug 2021

    La fuerza escondida Hay pequeños fuegos en el fondo de cada una de las obras de Fernando de la Jara. Por lo general, fuegos invisibles e interiores. Pintura realizada mediante antiguas técnicas que invitan al espectador a penetrar con su mirada en ese mítico espacio del otro lado del espejo. Esta exposición reúne una serie de cuadros al óleo, arte que cultiva con una maestría excepcional en nuestra época, dominada por una galería de retratos de mujeres. Cabría aplicarles una palabra: ensimismadas, que alude a esos momentos íntimos en los que una persona “dirige toda su atención a sus pensamientos aislándose de lo que lo rodea”. Fernando de la Jara –artista peruano residente en Alemania- recoge esa experiencia, esa sensación, en los retratos que componen la mayor parte de esta exposición. Momentos que pueden durar eternidades o solo un instante. Espacios intemporales, en los que el presente lo abarca todo. Como en Llueve (2021), pintado durante la pandemia, donde una mujer atraviesa una lluvia torrencial elevando el rostro con una fuerza interior que la lleva a seguir su camino. Se incluyen otras obras que crean un relato entre fuerzas, al parecer, opuestas. Una obra singular dentro de la producción de este artista, Yawar Fiesta, de enorme poder simbólico, surge como la personificación de las tensiones ancestrales entre dos culturas. Y del mito a la leyenda. En El camino de Wu Daozi, un paisaje nublado oculta al pintor que se adentró en su propia pintura. Junto a los óleos se presenta una selección de impresiones digitales por inyección de tinta, calidad Fine Art, de algunas de sus pinturas más demandadas, en edición limitada. Un conjunto de obras que dan las claves del universo de este artista que ha seguido a contracorriente de las tendencias de moda, afirmando con ello su búsqueda de lo atemporal en el arte. Fietta Jarque

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    Todo Sobre Ella II / Eugenio Raborg

    23 Sep 2021 – 23 Oct 2021

    Ícono emblemático de la pintura occidental, el retrato de Lisa Gherardini, esposa del comerciante Francesco del Giocondo, universalmente conocido como GIOCONDA, y también como “Monna Lisa”, no cesa de ser objeto no solo de estudio y análisis desde los más variados puntos de interés, que abarcan desde el procedimiento pictórico hasta una riqueza simbólica que, conforme avanza en el tiempo, se complejiza y origina teorías y aproximaciones que han permitido una producción literaria apasionante por su imaginación y capacidad de intriga. En lo semántico, Gioconda significa “alegría” y sin duda esa placidez y esa actitud pasiva y distendida de la retratada, enriquecida por la sonrisa que, desde siempre, ha centrado esas reflexiones, no encuentra aun juicio definitivo. Desde la apropiación e intervención que hiciera Marcel Duchamp, sobre esta imagen tan especial, las aproximaciones y utilizaciones no cesan y forman parte del imaginario universal. Dentro de esta tesitura, Eugenio Raborg ha emprendido una tarea no solo lúcida sino un intento de situar y comprometer la imagen con modos, situaciones, objetos y aun nuevos componentes que actualizan significados y desacralizan la imagen original sin abandonar, en modo alguno, su reinado iconográfico. Y lo que sin duda aparece con frecuencia, es ese humor que juega con la contemporaneidad a la que pertenece y que nos permite avanzar en una familiaridad que los siglos no han conseguido postergar. Juego y reflexión, elogio y sonrisa, homenaje y memoria, ratifican la atemporalidad del Arte. Elida Román

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    GEOMETRÍAS DIVINIZADAS

    24 Jun 2021 – 17 Jul 2021

    GEOMETRÍAS DIVINIZADAS En el principio la tierra estaba desordenada y vacía y los dioses enviaron los templos en U para domesticar el paisaje. Fueron los monumentos que marcaron la génesis del mundo andino. El primer hospedaje de la divinidad. La casa del Apu. La U fue la primera vocal de esos anónimos arquitectos que transformaron el paisaje de la costa central del Perú. Desde su cima contemplaron el mar y las montañas/ el sol y la luna/ estrellas y constelaciones/ equinoccios y solsticios. Nadie sabe a ciencia cierta el por qué todos los templos en U apuntan al norte magnético pero es, precisamente, el norte de la pregunta que se formuló Maricruz Arribas Berendsohn al darle vida al fierro, el vidrio, la resina o el papel en busca de su propia respuesta. En el principio Maricruz Arribas ordenó el mundo de sus grandes lienzos con diseños abstractos impresos con tierra de colores que la ubicaron en el mundo de las artes plásticas. Luego sería la necesidad de agregar una tercera dimensión a esos cuadros hasta evolucionar en esculturas de gran formato que le otorgaron vida y belleza a herramientas recicladas, maderos de naufragios, delicadas resinas y vidrios que se salvaron del horno. Vendría además esa nueva escritura oculta en sus gigantescos quipus, y esos instrumentos textiles prehispánicos que resucitaron en versiones gigantescas de madera, cerámico, vidrio y metal. Y las armonías escondidas en instalaciones donde todo tipo de piezas descartadas vuelven a adquirir una belleza que sorprendería a sus creadores. En el principio Maricruz Arribas forjó geometrías divinizadas en fierro y acero inspiradas en esos viejos templos en U que aún se elevan como monumentos a ese pasado desconocido de antiguos pueblos que habitaron Lima Metropolitana. Luego serían los círculos de esos sistemas planetarios imaginados por la artista piurana e inspirados en el recio contraste del acero con el vidrio, con el papel, con hilados o con resinas. Y son precisamente estas piezas las elegidas para exhibirse en esta nueva muestra individual. En el principio Maricruz Arribas domesticó los elementos para crear un nuevo cosmos andino y entregarnos esta fina selección de esculturas que marcan una etapa muy especial en su vida artística: Un templo de fierro que alberga en su plaza interior delicados tumis de vidrio. Un tótem de hierro forjado y coronado con resina pétrea. La delicadeza que pueden albergar unas hornacinas que soportan lingotes de vidrio color a mar. El alambre que forma remolinos de metal amarrados a la madera. Ese sol rojo y petrificado sujeto para siempre al fierro, al leño y al metal... Pero lo mejor es contemplar la exposición y hacer sus propios descubrimientos.de Piura, Piura

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    Fragmentos y Disipaciones en un contexto de desolación

    20 May 2021 – 12 Jun 2021

    FRAGMENTOS Y DISIPACIONES EN UN CONTEXTO DE DESOLACIÓN Muestra individual de Paolo Vigo Yvonne Sanguineti Galería de arte Fecha: 20 de mayo de 2021 La actual exposición representa la décima primera muestra individual del artista trujillano, Paolo Vigo, la cual se compone de 5 pinturas y una pieza de mármol en su estado natural proyectada como elemento escultórico. En esta ocasión, Vigo ha optado por llevar sus exploraciones hacia el expresionismo abstracto que, bajo la técnica de la repulsión, logra que sus pigmentos adquieran una separación azarosa respecto a la base del lienzo, generando una serie de manchas y formas espectrales sugerentes. Sin embargo, la propuesta tiene una directriz precisa que se inicia con el díptico realizado en la gama de azules donde se detecta dos figuras humanas perceptibles por el empleo del blanco, denotando cual fantasma, un estado de desvanecimiento que refiere a la situación crítica de la pandemia respecto al ser humano. Las siguientes cuatro obras van marcando el camino de la disipación de lo formal. Son piezas abstractas en las que toda referencia a la figura humana ha terminado por extinguirse para dejar en primeros planos, manchas que se movilizan sobre el espacio del lienzo, con apenas unos ligeros toques en dorado a modo de rastros. La función de la piedra, alude a la tridimensionalidad de las imágenes y refuerza ese sentido de desgaste, erosión y pérdida que predomina en la propuesta de Paolo Vigo y que refiere al proceso del Covid-19 que padeció y lo llevó a diversos momentos de angustia y pánico al sentir sensaciones de ahogo y en medio del aislamiento, la idea de la muerte. PAOLO VIGO (Trujillo, 1980) Formado en la especialidad de artes plásticas de la Escuela Superior de Bellas Artes de Trujillo Macedonio de la Torre, Paolo Vigo complementó sus estudios mediante cursos de diseño gráfico en SENATI y arquitectura en la Universidad Cesar Vallejo, los cuales han permitido enriquecer su labor creativa, incorporando recursos y elementos como la espacialidad, la simplicidad compositiva, la imagen concreta y directa. Entre los años 2004 y 2019, ha realizado once exposiciones individuales entre Cusco, Trujillo y Lima. Proyectos en las que ha ido desarrollando temáticas referidas al individuo en relación a contextos como el hogar, las relaciones sociales, la educación, la violencia, la sexualidad, etc. Sus propuestas poseen una gran carga conceptual y simbólica, transitando entre la expresividad y el surrealismo, las cuales nos llevan a la memoria de lo que ha sido su trayectoria como artista construida bajo el principio minimalista y el manejo de la imagen liberada de anécdotas. ACERCA DE LA OBRA DEL ARTISTA La producción del arte contemporáneo es variada y compleja, desde sus lenguajes, procesos materiales, hasta lo que respecta a las temáticas. Los límites en el arte contemporáneo ha sido disuelta, y es por eso que las producciones, se orientan hacia las narrativas metafóricas. Los trabajos de Paolo Vigo presentan, desde el anonimato de sus personajes, narrativas en torno a la niñez y juventud en sus diferentes aspectos vinculantes: el hogar, las relaciones sociales, la educación, la violencia, la sexualidad, la explotación laboral, etc. Sus propuestas poseen mixtura y libertad técnica explorando soportes y medios, como lo apreciamos en su serie Children (2011), donde los niños o niñas, son acompañados de elementos cotidianos como un cinturón, botellas de cerveza, etc., realizados mediante el esgrafiado y la encáustica sobre cojines o almohadillas, tapizados en capitoné, y en algunos casos con pequeñas aplicaciones tridimensionales. El artista retoma sus reflexiones respecto a la juventud en Abreacción (2019) exponiendo los niveles de la condición humana, desde el ámbito de la responsabilidad social y familiar al que están expuestos, como parte de una sociedad frívola, calculadora y consumista. Circunstancias donde se trastocan la edad, perturbando su desarrollo como personas, vale decir, situaciones en que interrumpen su evolución natural en cuanto a ser social y familiar, quitándoles sus derechos a ser niños o púberes al producirse una “transfiguración adulta”. El trabajo de Paolo Vigo es silencioso y nos muestra de manera inteligente su desarrollo artístico que va más allá de lo estético para construir su discurso visual desde la perspectiva de la crítica social, consolidando un lenguaje simbólico y expresivo. Juan Peralta Berrios Historiador y crítico de Arte Junio 2018

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    De la vida cotidiana a lo cotidiano de la vida

    18 Mar 2021 – 10 Apr 2021

    Exposición virtual bipersonal “De la vida cotidiana a lo cotidiano de la vida” Teresa Carvallo – Juan Pacheco Del 18 de marzo al 10 de abril Inauguración vía Zoom, el jueves 18 de marzo a las 7:00 pm En la muestra exploramos por un lado, situaciones de la vida cotidiana de la mujer de clase media a través de los ojos de la artista Teresa Carvallo, a la vez que complementamos la muestra con la representación de objetos cotidianos como son las perillas de las puertas domésticas, haciendo una apropiación del objeto y una reconceptualización del mismo, representándolo en piezas detalladamente elaboradas en tejido de hilo de cobre en punto peruano de técnica neoancestral del artista Juan Pacheco. Presentación de Alberto Giha La muestra Bipersonal “De la vida cotidiana a lo cotidiano de la vida” presenta obras de la artista Teresa Carvallo (Lima, 1954) y el artista y escultor Juan Pacheco (Lima,1964). Teresa Carvallo nos presenta, en siete obras escogidas, imágenes cotidianas de la mujer que pasa por el ciclo de la vida diaria y la visión crítica de la sociedad de la Lima conservadora que nos mide con una doble moral. A través de un soporte en cerámica policromada, de meticulosa elaboración y cuidadosa técnica, nos muestra, a manera de un Via Crusis social, los diferentes estadíos de una mujer contemporánea, retratando de una manera personal y con humor e ironía la frivolidad de la sociedad limeña. Desde la búsqueda de la perfección como “ama de casa”, el fracaso en la vida conyugal y la necesidad del éxito laboral, como manera de elevar la autoestima personal y sobresalir en una sociedad critica, nuestra artista se expresa de forma clara y contundente. La misma artista define su trabajo como “murales cerámicos, cuyo tema central es la reflexión y exploración de la visión femenina de la vida, bajo todos sus aspectos. Sea como los trabajos cotidianos que definen el rol que tenemos en la sociedad, así como las perspectivas de una situación cambiante hacia una liberación cada vez mayor, en que la visión masculina dominante en la Sociedad ha pretendido confinarnos” Vemos en su obra retratada al ama de casa modelo, que hace todo en su hogar 24/7, pasando por la mujer empresaria en busca del éxito, hasta la mujer que se reinventa para volver a empezar nuevas relaciones. Por otro lado, el artista Juan Pacheco nos presenta artefactos de la vida diaria, como son las perillas que acompañan a las puertas. Instrumentos tan cotidianos que nos hacen olvidar que hay un arte implícito desarrollado en el diseño de estos objetos tan útiles e imprescindibles. Juan toma el diseño de la perilla y la reconstruye en una nueva rematerialización del objeto, a través del delicado tejido en punto peruano de un material tan dúctil, pero a la vez resistente, como es el hilo de cobre. Nuestro artista nos plantea una confrontación con el espacio urbano, sus límites, barreras y direcciones, como en el Desayuno con Pieles de Meret Oppenheim, donde un artículo tan cotidiano lo trasladamos a un espacio expositivo con un material y una función reestructurada e impactante. En una experiencia que busca el rescate de los diseños de un artículo tan común como una perilla o un jalador, que han sido sintetizados a su mínima expresión por la fabricación industrial en serie pasando el diseño y la estética de la pieza a un segundo plano, Pacheco rescata el arte del diseño de las perillas de antaño y lo reinterpreta a través del tejido metálico tridimensionales y los convierte en auténticas piezas de arte. Alberto Giha Conetta

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    Transmutaciones/Transmutación crepuscular

    11 Feb 2021 – 06 Mar 2021

    Hace poco, en una conversación telefónica Juan Carlos Zeballos (Arequipa, 1976) me confesó, sobre esta serie de pinturas, «[M]uchos de estos abstractos tienen como punto de partida las paredes atiborradas y abigarradas de los afiches del metro [de París], los muros y la publicidad dispersa resulta tan colorida que me recuerda a los afiches chichas del Perú». No será sorprendente, entonces, lector, asistir al hecho de cómo Zeballos se perfila como un artista residente en Francia, desde el año 2014; una vida en París que él ha asumido con sorprendente naturalidad. En esta exposición Transmutaciones/ Transmutación crepuscular, el espectador se asoma a este universo de transformaciones, que van de la captación atenta de Juan Carlos respecto de su entorno urbano —la ciudad pre pandémica— hacia sensaciones asociadas a la luz, como un crepúsculo, o al ojo de una tormenta, como un vórtice, entre otras metáforas que él utiliza en sus títulos para describir el vínculo secreto y subjetivo entre color y significado. Conozco a Juan Carlos hace cerca de 15 años. Quizá fue en 2007, cuando me tocó hacer un trabajo de campo sobre la acuarela de paisaje en el Perú, cuando lo entrevisté por primera vez en alguna de esas cafeterías cercanas a la plaza de armas de Arequipa, cuyo local —lo recuerdo vivamente—, era una vieja casona de sillar. Recuerdo también, tras el paso de los años, de nuevas visitas y conversaciones en la ciudad blanca, haberme enterado de sus viajes a distintos países como Brasil y China, entre otros; viajes que él asumía como parte de su vida de artista y que, de mi lado, los veía como una interrogante abierta respecto de cómo situar, en mis ingenuas cartografías, su trabajo como pintor y artista. El lector desprevenido quizá no tenga en cuenta, que la acuarela en el sur andino en el Perú, concretamente en Arequipa, es una tradición que recorre todo el siglo XX. Y que, en los últimos diez años dicha escena experimentó una internacionalización creciente, llegando los cultores regionales de la misma —cuya excelencia técnica sorprende a cualquiera— a participar, con éxito, de distintos concursos multinacionales en Europa y en otros lugares del planeta. Y, sin embargo, uno no puede dejar de preguntarse ¿Qué valoración se otorga a la práctica de la acuarela y a sus cultores en el siglo XXI? ¿Se jerarquiza a la pintura según esta sea realizada con óleo o acrílico por encima de otros materiales?, ¿O, más bien, esa tendencia a jerarquizar ya no existe más en este mundo globalizado y pandémico?, ¿por qué destacar el material —la acuarela— de estas pinturas, por sobre su sentido y significado? Estamos ante una selección de cerca de 15 pinturas de Zeballos, en las que sin reconocer representación figurativa alguna uno recibe el impacto sensible de múltiples colores en tondos y rectángulos, en imágenes cuya fuerza inusitada seduce a simple vista. Fuerza que se ha estabilizado en un estilo propio, en una gama que va de un extremo al otro del círculo cromático, fácilmente reconocible para quien ha seguido su trayectoria, pero de sorprendente solidez para quien no está acostumbrado (sobre todo pienso en públicos contemporáneos) a la factura de una mano que ejecuta, con maestría sostenida en el tiempo por la práctica cotidiana, pero reinventada cada vez por una imaginación vivaz, emocional y crédula todavía; en un mundo que la ciencia ficción del siglo XX hubiera llamado distópico, sin mayores rodeos. Augusto del Valle Cárdenas. 2 de febrero de 2021

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    Rompiendo Algoritmos / John Chauca Laurente

    02 Dec 2020 – 26 Dec 2020

    Yvonne Sanguineti Galería de Arte presenta la exposición virtual individual “Rompiendo algoritmos” de John Chauca. La muestra, que está compuesta por una serie de pinturas en pequeño y gran formato, podrá ser visitada desde el 2 de diciembre al 26 de diciembre en la sala virtual de la galería a la que se puede acceder a través del siguiente enlace http://yvonnesanguinetigaleria.com/sala-virtual/ La inauguración se llevará a cabo el miércoles 2 de diciembre a las 7:30 pm a través de la plataforma Zoom https://us02web.zoom.us/j/84500676773 ¿Qué es un algoritmo? Algoritmo (del latín, dixit algorithmus y éste del griego arithmos, que significa «número», quizá también con influencia del nombre del matemático persa Al-Juarismi es un conjunto de instrucciones o reglas definidas y no-ambiguas, ordenadas y finitas. En la vida cotidiana, se emplean algoritmos frecuentemente para resolver problemas determinados, pero en general, no existe ningún consenso definitivo para una definición formal. Ya que tienen un tiempo secuencial, es decir en tiempo discretizado (paso a paso), tienen un estado abstracto por sus estructuras invariantes y de una exploración actotada, es decir, que entre cada estado y el siguiente solamente se debe tomar en cuenta una cantidad fija y limitada en términos de su estado actual. ¿Qué ocurre cuando se rompe? Tal y como nos lo muestra el reconocido pintor John Chauca Laurente (en cada una de sus elaboradas obras con que nos ofrece ésta nueva serie), crea un punto de quiebre, una secuencia plástica que aborda cada retrato para intervenirlo y modificar su libre secuencia natural con códigos propios, ya sea para agregar extensiones a algunos sentidos para ocultar otros, o darle un "resplandor" inesperado a personajes con actitudes contemplativas. El estilo del lenguaje pictórico nos lleva a una doble narrativa que no es casual, si no consentida, hecha a propósito, como es usual en la trayectoría del pintor. Desde sus primeras exposiciones a la actual, se puede leer un sentido especial y dirigido para cada una de sus muestras, las mismas que llevan un título emblemático y un desarrollo evolutivo en sus acciones. Esta característica en John Chauca Laurente es de agradecer, porque siempre parte de una nueva premisa de un estudio pormenorizado y de un vocabulario muy sugerente, lúdico y hasta irónico a veces, para nombrar sus obras. Alexander Brdarevic Noviembre de 2020. Agradecemos su difusión. Yvonne Sanguineti Galería de Arte 999 177 481 galeria@yvonnesanguinetigaleria.com www.yvonnesanguinetigaleria.com

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    Mano Gallegos / Reminiscencias

    23 Sep 2020 – 10 Oct 2020

    REMINISCENCIAS 1970 – 2016 Mano Gallegos “La fotografía es el medio que utilizo para expresar mi propia danza, mi sonido interior, las líneas que diseñan el dibujo de mis pasos. Con las imágenes busco expresar mis pensamientos y sentimientos. Quiero tocar, conmover, compartir mi visión del mundo, lo que me toca vivir y mostrarlo a los demás”. Durante 46 años de trayectoria profesional, el fotógrafo Mano Gallegos ha transitado por la fotografía publicitaria, editorial, moda, retrato, arquitectura, bodegón y de paisajes. A lo largo de todo ese tiempo, Gallegos ha tenido la oportunidad de trabajar recorriendo diferentes países de África, Europa y Medio Oriente, permaneciendo por largos periodos en Holanda y Grecia particularmente, para luego regresar al Perú. A lo largo de un camino lleno de experiencias, la mirada del autor se muestra contemplativa ante la estética de los paisajes y personajes que fotografía. En este tránsito de experiencias, el autor no teme transformarse ya que se ha ido reinventando como el mismo medio fotográfico, pasando de la fotografía analógica de gran formato a la fotografía digital. En Reminiscencias, su primera exposición individual, el autor nos presenta una selección de obras en las que a través de una mirada atenta y conmovedora nos invita a la quietud, para que nos permitamos observar los silencios, la vulnerabilidad y la dignidad de los sujetos y espacios fotografiados. Carolina Cardich

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    NADER BARHUMI / PINTURAS RECIENTES

    26 Aug 2020 – 19 Sep 2020

    Nader Barhumi “Pinturas recientes”’ Inauguración: Miércoles 26 de agosto de 2020 Yvonne Sanguineti Galería de Arte presenta la exposición virtual individual “Pinturas recientes” del artista Nader Barhumi. La muestra, que está compuesta por una serie de obras de gran formato en técnica mixta sobre tela, podrá ser visitada desde el 26 de agosto hasta el 19 de septiembre en la sala virtual de la galería a la que se puede acceder a través del siguiente enlace http://yvonnesanguinetigaleria.com/sala-virtual/ La inauguración se llevará a cabo el miércoles 26 de agosto a las 7:30 pm a través de la plataforma Zoom https://us02web.zoom.us/j/86580116212 y como invitada especial para conversar con Nader sobre su obra participará Fietta Jarque, una conocida periodista, escritora y crítica de arte peruana residente desde hace varios años en España, quien además de ser comisaria en varias exposiciones de arte peruano en España ha sido la curadora de la muestra que llevó el Perú a Madrid ARCO el año pasado. Nader Barhumi (Lima 1960) estudió artes plásticas en la Pontificia Universidad Católica del Perú, en la Universidad Complutense de Madrid, en la Escola Massana de Barcelona y en la Byam Shaw School of Art de Londres, donde obtuvo el título de la University of the Arts de esa ciudad. Ha realizado muestras individuales y colectivas a lo largo de los últimos treinta años ante público de ciudades tan diversas como Lima, Barcelona, Londres, Colonia, Nueva York, Miami, Madrid. Su obra se encuentra en diferentes colecciones alrededor del mundo. Su trabajo, inclasificable por definición, es el resultado de una trayectoria personal y artística en la que lo pulsional, la investigación y el descubrimiento son parte fundamental. “Pinturas recientes” está conformada principalmente por cuadros desarrollados en Lima a partir del trabajo que el artista viene realizando en Madrid, es decir, sobre la manera en que se presentan los restos de los anuncios en las paredes de “su” barrio y cómo conviven con las diferentes texturas en las que se presentan. A diferencia de los cuadros anteriores en lo que Barhumi ha venido trabajando, en esta oportunidad ha cobrado más protagonismo el accidente, presente en los cuadros a través de manchas y otros gestos “involuntarios” que se suceden en el cuadro como punto de partida. Agradecemos su difusión. Yvonne Sanguineti Galería de Arte 999 177 481 galeria@yvonnesanguinetigaleria.com www.yvonnesanguinetigaleria.com

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    DESDE EL CONFINAMIENTO

    10 Jul 2020 – 15 Aug 2020

    La Galería ‘Yvonne Sanguineti’ acogerá en primicia la exposición virtual ‘Desde el confinamiento’, de tres reconocidas artistas peruanas quienes, a lo largo de la cuarentena, han creado obras inspiradas en sus recuerdos. Elke McDonald, Charo Artadi y Marissa Castro nos ofrecen una ventana al exterior a la que asomarnos y trasladarnos a los rincones más profundos de nuestra memoria. La exposición, que tendrá una duración de un mes, será inaugurada el mismo día 15 de julio a las 7 de la tarde (hora local): https://us02web.zoom.us/j/83480779493, y estará abierta al público de manera virtual. Las artistas expondrán sus obras más íntimas abriendo la “puerta” de sus casas para que cualquier persona interesada en el arte contemporáneo pueda asomarse a una realidad plasmada en el lienzo. La exhibición será comisariada por una de las artistas, Charo Artadi, quien ya ha sido comisaria en la exposición titulada “Qhichwa Simi”, como ante sala de Arco 2019 donde Perú fue como país invitado. Sobre las artistas Elke McDonald Artista internacionalmente reconocida, nos muestra través de su técnica, unos collages llenos de vida que dialogan entre ellos de manera armónica. La pintura de Elke Mc Donald se caracteriza por ser fresca, apasionada y espontánea. Interpreta al mundo que la rodea y ama, de manera personal, vigorosa en paleta y textura. En estas obras, la felicidad juega con la inspiración para integrarse en trazos repletos de movimiento y color. Egresada de la ENBA de Lima, lleva más de 50 años con exposiciones individuales y colectivas. Tiene obras en el Museo de Arte de Arequipa, en el Museo del Bco Central de Reserva y en el Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de San Marcos, así como producciones de obras en diferentes libros de arte y colecciones privadas. Ha recibido premios de pintura a lo largo de su trayectoria artística, siendo el último en la ciudad de Pisa Italia. En la actualidad compagina su trabajo artístico con la producción y conducción en radio Filarmonía, del programa el Pentagrama Británico. Charo Artadi Amante de la naturaleza, empezó la serie a comienzos de este año pintando el entorno en donde vive sin saber que la terminaría desde el confinamiento. La serie ‘El Hilo Rojo’ expresa la pasión que siente por la vida, la pintura y por todos sus seres queridos. Un Hilo Rojo que simboliza el amor que nos une a todos a través del tiempo y la distancia, un amor que transmite en sus obras. Plasma todo este sentimiento en los poemas que escribe sobre el lienzo en blanco para luego convertirlos en pinturas llenas de color y armonía, cargadas con el gesto matérico tan característico en sus obras. La paleta de colores que elige para esta serie son el negro, blanco, naranja, predominando el rojo. La obra de Artadi nos presenta una secuencia continua y vivencial desde donde construye un mundo armónico de gran belleza sin renunciar a la diversidad. Inicia sus estudios de arte en la Universidad Autónoma de Saltillo, México. En École Estienne de París, estudia las técnicas de grabado y se gradúa en Bellas Artes en la Universidad de Vitoria en Madrid, España. De trayectoria internacional, ha expuesto en Matadero, Madrid. En la galería de Casa de Arte Málaga, México. En Galleria 2432, Venecia y en JBF Gallerie, París entre otras. Marissa Castro Marissa Castro radica en Lima y es una asidua visitante de la Punta y el Callao, es así como descubre en sus idas a San Lorenzo El litoral; poco a poco se enamora del puerto y de forma apasionada lo comienza a plasmar en sus pinturas. Paisajes queridos que echa mucho en falta y que pinta con la ilusión de poder disfrutarlos nuevamente. La artista experimenta silenciosa y arteramente con los recuerdos íntimos de los rincones urbanos de la ciudad portuaria y sus alrededores. Si bien es publicista de profesión, ella se dice autodidacta, pues como pintora se forma durante más de quince años en talleres de artistas reconocidos, como el de Ana María Pizarro, desarrollando una técnica muy propia que solo el tiempo y la experiencia pueden dar. Con audacia y espontaneidad, Marissa nos va introduciendo mediante la fusión de colores en un mundo subjetivo de atmosferas entrañables y que evocan en el espectador tiempos pasados y añorados. Los paisajes por donde se mueve la imaginación de la artista dejan entrever la realidad descarnada de la vida cotidiana que tanto extrañamos, mezclada con una dosis de nostalgia de relatos muy actuales. Más información Yvonne Sanguineti Galería de Arte Teléfono: +51 999 177 481 / +51993305418 galeria@yvonnesanguinetigaleria.com www.yvonnesanguinetigaleria.com

    latest works

    • Todo Sobre Ella II
      379 x 252 cm (h x w)
    • Eugenio Raborg

      La Kotoshconda
      73 x 62 x 10 cm (h x w x d)
      Lámina impresa, Vidrio, acero, Manos Plásticas y Madera
    • Eugenio Raborg

      Todo Sobre Ella II
      379 x 252 cm (h x w)
    • Eugenio Raborg

      San Titulo, 2007
      60 x 56 x 10 cm (h x w x d)
      seda, Vidrio labrado, madera, reproducción
      USD 3000
    • Eugenio Raborg

      OP-MONA, 2006-2007
      90 x 81 x 5 cm (h x w x d)
      madera, Alucobond, Alumínio, reproducción
      USD 3000
    • Eugenio Raborg

      Mona Lima, 2001-2002
      54 x 46 x 11 cm (h x w x d)
      madera, Cristal labrado, acero, reproducción
      USD 3000
    • Eugenio Raborg

      Mea Culpa, 2003-2007
      51 x 43 x 7 cm (h x w x d)
      Cristal labrado, Acero y Mano de Bronce
      USD 3000
    • Eugenio Raborg

      La Yoconda, 1991-1996
      78 x 54 x 15 cm (h x w x d)
      Foto, metales y letras plásticas
      USD 3000
    • Eugenio Raborg

      La Violetera, 2005-2007
      63 x 53 x 23 cm (h x w x d)
      seda, madera, tela, Mimbre, reproducción
      USD 3000
    • Eugenio Raborg

      La Verónica, 2005
      70 x 70 x 8 cm (h x w x d)
      Tela con impresión digital, madera, Acero al carbono
      USD 3000
    • Eugenio Raborg

      La Modelo, 2005
      97 x 73 x 24 cm (h x w x d)
      Manos articuladas de madera, impresión en tela, madera
      USD 3000
    • Eugenio Raborg

      Goyaconda, 2005
      87 x 43 x 22 cm (h x w x d)
      madera, piezas de maquina de coser y reproducción
      USD 3000
    • Eugenio Raborg

      Feminismo, 2019
      50 x 44 x 10 cm (h x w x d)
      madera, acero, plástico, reproducción
      USD 3000
    • Eugenio Raborg

      El Robo, El 2001-2003
      81 x 51 x 10 cm (h x w x d)
      madera, cristal, acero, plástico, hilo-pavilo, reproducción
      USD 3000
    • La fuerza escondida - Fernando de la Jara
      379 x 252 cm (h x w)
    • Fietta Jarque

      La fuerza escondida
      379 x 252 cm (h x w)
    • Fernando de la Jara

      LECTORA
      90 x 90 cm (h x w)
      Inyección de tinta sobre tela. Edición de 5 ejemplares. Firmado a mano.
    • Fernando de la Jara

      REFLEJOS, 2009
      66 x 50 cm (h x w)
      Inyección de tinta sobre tela. Edición de 5 ejemplares. Firmado a mano.
    • Fernando de la Jara

      SEDA
      80 x 66 cm (h x w)
      Inyección de tinta sobre tela. Edición de 20 ejemplares. Firmado a mano.
    • Fernando de la Jara

      NOCTURNO
      69 x 55 cm (h x w)
      Óleo sobre madera tallada
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