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晴山藝術中心 Imavision Gallery

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2F No 286 Sec7 Chengde Rd Taipei Taiwan

3D Ausstellungen

  • 晴山藝術中心 Imavision Gallery

    色動.心動--劉棟纖維藝術個展 Vibrant Colors That Touch-- SoloExhibition Of Fiber Art By Danny

    02 Oct 2021 – 31 Oct 2021

    「布料是他的油彩、熨斗是畫筆、線材是肌理 」 纖維藝術的蒙太奇 文/張家馨 --- 劉棟 ---「我想要透過我的力量,讓年輕人也能夠一起加入、重視纖維藝術這個領域」 織品創作在眾人的想像中總和女性的形象以及工藝產品劃上等號。然而,早期美國對織品的想像較為包容,在美國家庭或個人中,以女性的角色會特地以平常生活故事或重要節慶設計相關的圖案縫紉在被單上,特別做為紀念與慶祝。它雖然與我們對纖維藝術的認知,在日常生活上應具有其實用性扮演的角色不太相同,卻是為纖維藝術與織品在藝術領域當中奠定重要的基礎。目前美國已在在德州,肯塔基州等地建立許多纖維藝術博物館。 在台灣,鮮少有男性願意嘗試以織品做為創作的主要媒材,纖維藝術家劉棟則是完全相反。在他的工作室,收藏了五千多匹出自不同布料設計師設計的布款,他對布料的迷戀,也因此和許多精品合作的布料設計師成為好朋友,總能第一手拿到最新、最獨特的布款。 劉棟早期全家移民至巴西,並在那裡就讀巴西聖保羅泛美藝術學院。藝術家因受母親影響,於藝術學院畢業之後移居至紐約生活便開始從事花藝工作,並未直接投身擔任全職藝術創作者,直到1990年返台後,在某次的因緣際會下認識到布料的美,才讓他重返藝術創作的領域。 纖維藝術蒙太奇 「Chuck Close的作品近看是由數個抽象圖案組合而成,遠看卻是呈現一個寫實的人像,啟發了我想要用布來創作的靈感。」美國的藝術文化可說是影響劉棟創作的重要因子,特別是藝術家Chuck Close(1940-2021)的作品,因此劉棟開始嘗試以各種材質及花色的布料,以馬賽克拼貼的方式創作。 在劉棟第一個系列的創作中,他將各式花色的布料以同樣大小的方格組成,近看時可以清楚地觀看到每一個布料當中別緻的色彩及紋路,遠看時卻是一幅由數個方格子組成的人物肖像。馬賽克式的拼貼,開啟藝術家纖維創作的第一道門,並接續嘗試以此手法創作出蒙娜麗莎像、人物肖像以及臺灣的街景等圖像。 「光是一個格子的深淺不對,就會影響整個圖像的生成,所以要一個一個去找尋合適的花色和布料。」劉棟分享,馬賽克式拼貼的創作非常耗時,由於它是需要透過數個方格組構而成,與油畫創作不同的地方在於,無法直接透過顏料來調和顏色的深淺,在創作的過程中必須隨時退遠觀看畫面的造型與立體感是否如期成形,倘若這當中因為其中一個格子的顏色或花紋造成的些微落差,都有可能影響最終呈現的效果,藝術家必須在茫茫的「布海」中,找尋到最適合的布料才能夠完成一件作品,因此看似一幅簡單的人像,卻需要花上數個月的創作時間。 「很多纖維藝術家都是用素色的布,但我希望能夠展示這些布料上不同設計的美。」劉棟說,如果用單純素色的布料來創作,或許整個創作時程就會簡單許多,但是正因為這些布料藝術家的設計,讓每塊布料有著獨一無二的特性,啟發他想要將這些布料當中獨特的美,同時展現在創作中。 馬賽克的拼貼創作,滋養了劉棟對於對象物的敏銳度、他對於每塊布料的特性以及解構後呈現效果,進而使得他發展出另一個自由拼貼」(Freehand Patchwork)的系列創作。劉棟雖然自稱這個系列叫做自由拼貼」(Freehand Patchwork),但它更像是藝術家在美感經驗與創作技巧達到一定的熟稔度,能夠逐漸褪去縝密計算的框架,使得作品更為柔韌、更為自在。 在劉棟自由拼貼」(Freehand Patchwork)的系列中,作品不再是由方方正正的格子組合而成,它更是利用隨機裁剪的布料,在有秩序的排序下構圖,重新組構成新的圖像。其創作邏輯更為接近繪畫創作,有厚疊、有景深、有光影變化、有立體感。 劉棟的作品在系列與系列之間的轉變,就有如許多寫實繪畫的藝術家在創作的後期,漸漸地朝向以色彩及造型為主要導向的創作,更為著重在整體線條與的呈現,逐漸屏棄以寫實技巧為首的創作。 布料是他的油彩、熨斗是畫筆、線材是肌理 「我喜歡用布來畫畫。」纖維藝術與油畫創作在技法和媒材上雖然是大相逕庭,但是在某種程度上卻有著一定的相似度,對於劉棟來說,拼布的創作就像繪畫一樣,他只是換了另一種媒材。 不同款式、質感、紋路、顏色的布料就如同五言六色的油畫顏料;熨斗將它們擺佈固定成形就像畫筆的作用一般;透明線材的壓線過程在布料上細膩地刺下,並且隱匿在色彩豐富絢麗的花紋中,有如油畫創作中添加異材質營造出的肌理質感,替作品增添另一層視覺層次。 壓線的細節,除了做為固定布料的一種方式,更是在視覺感上增加另一種層次。 油畫創作需要打底,纖維創作抑是如此。劉棟分享,在他拿到一塊新的布料時,必須先將布料上漿,使得布料在創作上能有一定的硬挺度,就如同油畫創作「打底」的這道程序。而上漿這樣的動作在纖維藝術創作上並非必要,但是對劉棟來說卻是缺一不可的重要步驟,它就像是與新布料的初見儀式,不急不徐地幫布料上漿,透過這道流程能夠加深藝術家對每一款布料的印象,其花色、質感與特性都將烙印在他的腦海中。 今年(2021)十月,劉棟將在晴山藝術中心舉行《色動‧心動》創作個展,將回台後儲備多年的創作能量一次在這次的個展中亮相。本次展出的作品除了前文提到的馬賽克系列、自由拼貼」(Freehand Patchwork)系列,另外帶來藝術家最新系列的創作,嘗試將中國水墨當中,彩墨融於水這個過程中的漸層及渲染之美,透過各式花布的疊合、縫紉、交織等技法來呈現。 「早期的作品是希望獲得纖維藝術界的認同,現在的作品是希望得到自己的認同。」劉棟說,隨著自己創作的脈絡發展至今,漸漸在這過程中理出不少心得,除了創作技巧更為純熟外,最重要的是,更能明確地傾聽到自己的聲音,瞭解到自己真正想要創作的東西。 纖維藝術在台灣的發展 專訪當天,正當我們一群人正在話家常時,劉棟突然收起原本的笑容嚴肅地說:「我還有一個很重要的事情想要說。我希望能夠有越來越多人加入纖維藝術的創作。要如何讓它在當代藝術中佔有一席之地,也是我不斷思考和持續進行的事。」 劉棟說,在美國纖維藝術的創作正日趨崛起,許多以當代藝術為主的畫廊或美術館,出現了許多以纖維藝術作為主題的展覽,嘗試擺脫織品在過去長年以來與「女性」劃上的等號,以及傳統我們對纖維藝術與手工藝相連結的既定印象。除此之外,近年來美國許多當代酷兒(queer)藝術家更是以纖維藝術創作,來表達他們對身份以及性別認知的訴求。 纖維藝術在台灣的當代藝術中,其關注度、包容度,以及普遍度與美國相比,確實仍有一段漫長的路要走。劉棟雖為華人藝術家,經過長年潛心於纖維藝術創作的積累,研究出不少獨特的創作技法,因此經常受邀到歐洲各國授課演講,在歐美國家打出知名度。這次的個展《色動‧心動》除了是劉棟回台後暌違多年的個展,他更是希望藉由本次的展覽,讓台灣更多人能夠認識纖維藝術這樣的創作領域。

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    裏面的裏面--邱奕寧水墨個展 The INNER -Solo Exhibition of Water-Ink Painting By Chiu Yi Ning

    11 Sep 2021 – 30 Sep 2021

    「我想成為自己的依靠」邱奕寧的《寂寞城市》 文/林侑澂 視覺造型是人類感知中,最直接的傳遞方式。而將意識與情感適切地呈現在作品中,則是藝術創作者們永恆追尋的目標。藝術家邱奕寧(1996-)所創作的《寂寞城市》系列,以清淡而深刻的氛圍,架構出了對於這個世界的理解和態度。身處於充滿壓力和距離感的當代社會,邱奕寧的作品反映出了介於淡漠與熱切之間的自我追尋。看似靜音的畫面,同時顯示出了對於生活的眷戀和盼望。相當程度地與當代人的共同經驗產生了共鳴,讓觀眾們能夠沒有阻礙地進入畫作的氛圍之中。 水墨做為東方美學的傳統主體,所傳承下來的脈絡,自然有著視覺之外的符碼意義。數百年來文化圈對於「文人畫」和「氣韻生動」的執著,一方面留下了經典、讓體系完整。卻也同是形成了牽掣,讓當代藝術家在時空推衍下遇到了困境。 近半世紀以來,水墨在當代藝術中一直面對著定義問題。在傳統東方「書畫同源」的發展史中,日常文字書寫與藝術創作,皆是以紙筆墨硯作為基礎。這與西方社會中繪畫與書寫分離的發展過程,存在著出發點的不同。觀看東方藝術脈絡,無論是大山大海或是京城繁華,古典水墨史裡藝術家們,竭盡全力地畫下所見所感。千萬種形式,一筆一劃地指向「藉物抒情」的目標。 然而,要採用什麼樣的形象手法去承載內心的意念?對於藝術家而言,身處當代所要處裡的挑戰與選擇,自然就顯得比前人更加嚴苛。 再觀近代以來的發展,毛筆的書寫功能已經被各式各樣的硬筆所取代。這讓多數人的日常生活不再接觸筆墨,讓文房四寶真正成為了「純藝術創作」的工具。當毛筆的工具性與功能定位產生質變時,傳統水墨畫的脈絡發展勢必會有所分流。 台灣的水墨藝術家們,多數都受過正統學院的教育訓練。對於皴法、墨韻、筆趣都具有高度的掌握能力,文化脈絡上的學養也有著扎實的底蘊。但是工具的再定義,使得當代藝術家必須有所回應,必須在表現手法上跨越古人所建立框架。一步一步地在具備了水墨的能力之後,將其轉化成能與時代扣合的藝術語彙。 在求學期間,邱奕寧也曾面對到「要畫什麼?」這樣一個藝術家必經的課題。邱奕寧在一次從陽台往外看的經驗裡,面對著每天都常見的、層層疊疊的公寓,很自然地有了「畫畫看它們」的想法。進而開始了將思緒寄託在城市輪廓中的創作脈絡。 從那時候起,藝術家邱奕寧對於「水墨的當代性」及「自身的創作方向」這兩個命題,回歸到的更視覺性的自然起點:「寫生」。以自己的方式所創作的寫生。而當一個創作者畫出了風格,意味著作出了取捨。細觀《寂寞城市》,邱奕寧所延續的美學脈絡不在於筆法形制,而在於文人們體悟生活的思維模式。 以城市寫生出發,邱奕寧對於筆墨掌握是讓人目光為之一亮的。這種累積出來的精準,需要多年的訓練及實踐。在《寂寞城市》裡的描繪對象,大量聚焦在建築物、植物、石塊、小山丘、海浪、海岸線等等,台灣社會所熟悉的日常景緻。邱奕寧將由點構成的植物、由線構成的建築物、由暈染的面構成的水面或岩石,展開了極度個人化的組構。 在試著自我剖析的過程中,邱奕寧發現自己生命中所在意的許多事情,往往並不是由於特定的人物或事件,而是源於自身的設想。對於細膩感知著世界的邱奕寧而言,將思緒畫出來是取得內心平衡的一種方式。在這個生活步調迅速、人與人之間卻難以連結的社會中生活。通訊的便利讓我們時時接收著彼此的訊息,卻又產生著另一種並不真正相關的距離。這種距離讓人們獨處、感受寂寞的時間變多了,也使得「需要自己處理的事情」顯得更加無法躲避。 在享受獨處的同時,邱奕寧有大量的時間與自己對話。這些感受所產生的疏離感,反應在邱奕寧的繪畫中以一種「不停留」的態度呈現。習慣上,邱奕寧往往多件作品同時進行。創作當下並不刻意去設定自然出現的元素或符號,而是朝著「想要繼續畫下去的」目標前進。然而這些畫面元素們,卻又都會在完成作品後,自然地浮出可被閱讀的訊息意義。 墨黑夜空中的星辰,就像是一點一點的希望。被風吹向遠方的煙霧,就像是遮住星星的雲河。偏離路徑的貨車,就像是人生中的意外。半個救生圈,就像是自己對自己的期許。 連續觀看幾件邱奕寧的作品,會發現有超過半數的構圖,是以「由上往下、遠遠俯瞰」的視點進行的。另外的部分則是「由海洋望向陸地」和「窗內望向窗外」的觀看形式。在畫面中佔據最多比例的元素:「牆」也反覆地暗示著隔閡。 這些藝術家所引導的凝視方式並非刻意,卻在觀眾的感知中堆疊出了與描繪對象的距離感。也潛移默化地從這樣的立場,顯示出藝術家「帶著距離去細膩感受世界」的抽離態度。 有趣的是,在彩度極低的系列整體中,偶爾出現的彩色物件。這些被隱藏、甚至被忽略的元素,並非每件作品都出現,然而一但被注意就再也不會被忽略。彷彿象徵著在淡漠以待的同時,藝術家對於這世界所懷抱的熱情。並不常顯露,卻始終沒有被放棄。也彷彿象徵著在這個讓人裹足不前的世界裡,藝術家觀看自身的側寫。在一片無彩度的點線面中,依舊保有著自己的樣態。 來自對於生活的感受與心得,邱奕寧的作品的命題出現了寂寞、求生、等待、邊緣、天邊等等的單詞。反映出了就學期間的不確定感、踏入社會時的疑惑、甚至陸續獲獎後的自我反問。和多數人青年時的經驗一樣,都在尋找自我的課題中努力地奮鬥著。 從最開始直覺式的累積開始,藝術家邱奕寧的《寂寞城市》系列從造型的拿捏到意念的闡述,漸漸顯得自信。對於「透過藝術自我證明」的步伐也漸漸踏得更穩。數年來累積的水墨系列,畫面雖然看起來緩慢,卻又蘊藏著充沛的能量。藉由和日常生活親近、可閱讀、可共鳴的繪畫藝術,帶給了觀眾們一方「身處於複雜狀態下,可以安頓心靈的空間。」

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    ft.水墨 Featuring INKART

    14 Aug 2021 – 29 Aug 2021

    ft.水墨 策展人|吳宥鋅(國立臺灣師範大學美術系副教授 如果創作是精神想法與物質媒材的有意結合,那我們可以發現當前的藝術家,更重視的是如何表達自己的理念與想法,媒材對於他們而言,僅是一個〝被取用〞的工具。 當媒材(媒介)稀缺時,媒材本身的特質與限制,會直接成為該藝術表現形式的特色;而今日媒材不再稀缺,真正稀缺的是內容與想法,因此任何想法都被允許了:藝術家能談論宏大的願景,也可以只是私密的絮叨,有人圍繞著學術脈絡理性思考,也有人任性地感性發想。此時媒材、畫種是外者、是客人,是〝被邀請〞來參與創作的與談人,而主人一直是藝術家的想法,這就是ft.水墨的概念。 而有趣的是媒材也不只是單純的物質存在,在文化語境中它們也是一種符號,它有歷史、有脈絡、有情懷,很多時候藝術家使用了何種媒材,不單只是因為它的物質特性,而是它背後的符號性。在當代水墨中,藝術家選擇用水墨來創作,可能是想利用墨韻暈染的物質媒材性,也可能是對筆紙硯墨的情懷使然,可以是形式借用的混搭,更可以只是單純對東方文化的想像與偏好。物質上的媒材看起來只是工具,但其符號性卻映射並豐富著藝術家的想法,或許我們要ft.的,正是這些在文化語境中的存在。 本次展覽的藝術家:郭錦屏、呂浩維、陳昀翊,皆受過台藝大大學部與台師大研究所的訓練,在兩校觀念的碰撞中,打磨對經典水墨的理解,以及重新編輯水墨元素對於自己的意義。 在郭錦屏作品中,以最基本的水墨媒材,完成印刷般色調分離的普普藝術風格,而她的作品用墨色描繪著原先色彩斑斕的物件,是一種介在工業影像與傳統水墨間的美感,也是一種在當代生活裡,對東方內斂之美的審美直覺。 呂浩維對水墨審美的定錨是墨,因此筆與紙在其創作中被置換了,模型噴槍取代了軟性筆,現代插圖紙取代了柔軟的宣紙,他利用現代工具卻完成了有著經典山水美感的作品,一方面反應著生命經驗,也反應著對東方文化的特殊情感。 陳昀翊嘗試著從傳統山水中,提取水墨的形式本質,藉由畫面上山石、雲水的組織形態,以及虛實氛圍與意境的把控,同時試探何為水墨最核心的美感,用理性爬梳已經成為慣性的筆墨直覺,在反思與重構中,完成介在寫實與抽象之間的畫面。 ft.水墨想表達的是一種現象與概念,是活在當前時代下,以水墨進行創作的藝術家裡,許多人所共同反應出來的創作觀。在當代藝術中,水墨可以只是一種媒材,但它也不只是單純的物質媒材,它更多的是以符號的形式出現,並指涉著埋在我們文化基因裡的歷史刻痕,以及集體潛意識裡的情感密碼。 ft. Ink Featuring INKART Curator|Wu Yeouxin (Associate Professor, Department of Fine Arts, National Taiwan Normal University If the creation is a deliberate combination of spiritual ideas and material media, then we can find that current artists pay more attention to how to express their ideas and ideas. For them, media is only a tool for "used". . When the media (media) is scarce, the characteristics and limitations of the media itself will directly become the characteristics of the artistic expression; but today the media is no longer scarce, the content and ideas are really scarce, so any ideas are allowed : Artists can talk about grand visions, or they can just talk privately. Some people think rationally around the academic context, while others think sensibly. At this time, the media and paintings are outsiders, guests, and the "invited" to participate in the creation. The master has always been the artist's idea. This is the concept of ft. ink and wash. What’s interesting is that the media are not just pure material existence, they are also a kind of symbol in the cultural context. They have history, context, and sentiment. In many cases, what kind of media artists use is not just because of its material. Characteristics, but the symbolism behind it. In contemporary ink and wash, the artist chooses to use ink for his creations, perhaps because he wants to make use of the material and medium of ink blending, or because of his feelings for pen, paper and inkstone. Imagination and preference of Eastern culture. The material media seems to be just a tool, but its symbolic nature reflects and enriches the artist's ideas. Perhaps what we want is the existence of these in the cultural context. The artists in this exhibition: Guo Jinping, Lu Haowei, and Chen Yunyi, all trained by the National Taiwan University of Arts and the Institute of National Taiwan Normal University, polished their understanding of classic ink and wash and re-edited ink elements in the collision of the concepts of the two schools Meaning for yourself. In Guo Jinping’s works, the most basic ink and wash media are used to complete the popular art style of color separation like printing. Her works use ink to depict the original colorful objects, which is a kind of beauty between industrial images and traditional ink. It is also an aesthetic intuition for the restrained beauty of the East in contemporary life. Lu Haowei’s anchor for the aesthetics of ink and wash is ink, so pen and paper were replaced in his creation, model spray guns replaced soft pens, and modern illustration paper replaced soft rice paper. He used modern tools to complete a classic landscape aesthetic. The works, on the one hand, reflect the experience of life, but also reflect the special feelings of Eastern culture. Chen Yunyi tried to extract the formal essence of ink and wash from traditional landscapes, and through the organization of mountains, rocks, clouds and water on the screen, as well as the control of the atmosphere and artistic conception of fiction and reality, he also explored what is the core beauty of ink and brushed with rationality. The pen-and-ink intuition that has become inertia, in reflection and reconstruction, completes the picture between realism and abstraction. ft. Ink and wash wants to express a phenomenon and concept. It is the creation view shared by many artists living in the current era and working with ink and wash. In contemporary art, ink and wash can be just a medium, but it is not just a pure material medium. It appears more in the form of symbols and refers to the historical marks buried in our cultural genes, and The emotional code in the collective subconscious.

  • 晴山藝術中心 Imavision Gallery

    台灣 | 日本 | 中國 『色彩萬千』水彩聯展 Taiwan , Japan , China Countless and Vibrant Colors watercolor group Exhibition

    15 Jul 2021 – 08 Aug 2021

  • 晴山藝術中心 Imavision Gallery

    靈魂的心電圖- 吳日勤個展 (Soul's Electrocardiogram Solo Exhibition of Chin Wu )

    03 Jun 2021 – 03 Dec 2021

    With a background in Chinese painting and calligraphy, he added the essence of Eastern strokes and lines to the formal expression of Western media. "Calligraphy itself is a symbol." Wu Riqin said that in his works, he can often see the image symbolic nature of Chinese calligraphy, interpreted with Western media, emphasizing the emotional expression of colors and lines in his works. Through the combination of rigidity and softness in the process of transformation, it is translated into Western painting. 擁有中國書畫背景的他,將東方筆運線條中的精髓加諸於西方媒材的形式表現上。「書法本身就是一個符號」吳日勤表示,在他的作品中,時常能夠看見他解構中國書法當中具有的圖像符號性質,以西方的媒材加以詮釋,強調作品中色彩與線條的情感表達,藉由運筆轉換過程中剛柔並濟的精神,轉譯在西方繪畫上。

    neueste Werke

    • 劉棟 Danny Amazonas

      11010029, 2020
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    • 劉棟 Danny Amazonas

      Burst, 2020
      100 x 80 cm (h x w)
      布/線 Cloth & String
    • 劉棟 Danny Amazonas

      Thrive, 2021
      100 x 180 cm (h x w)
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    • 劉棟 Danny Amazonas

      Autumn Breeze, 2021
      100 x 125 cm (h x w)
      布/線/ Clothe and String
    • 劉棟 Danny Amazonas

      Feast 5, 2021
      101 x 139 cm (h x w)
      布/線 Cloth & String
    • 劉棟 Danny Amazonas

      Intersection, 2020
      99 x 143 cm (h x w)
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    • 劉棟 Danny Amazonas

      Hustle and Bustle (Big City), 2019
      100 x 100 cm (h x w)
      布/線 Cloth & String
    • 劉棟 Danny Amazonas

      Wind Riders, 2020
      100 x 80 cm (h x w)
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    • 劉棟 Danny Amazonas

      A Cool Summer Day, 2021
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    • 劉棟 Danny Amazonas

      Smile 5 , 2021
      120 x 120 cm (h x w)
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    • 劉棟 Danny Amazonas

      Sun Glare, 2021
      92 x 100 cm (h x w)
      布/線 Cloth & String
    • 劉棟 Danny Amazonas

      Spring Drizzle, 2021
      100 x 100 cm (h x w)
      布/線 Cloth & String
    • 劉棟 Danny Amazonas

      Misty Woods, 2021
      72 x 140 cm (h x w)
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    • 劉棟 Danny Amazonas

      Flirting, 2021
      125 x 160 cm (h x w)
      布/線 Cloth & String
    • 劉棟 Danny Amazonas

      Double Vases, 2021
      100 x 100 cm (h x w)
      布/線 Cloth & String
    • 劉棟 Danny Amazonas

      A Stream Ran Through it, 2021
      90 x 120 cm (h x w)
      布/線 Cloth & String
    • 劉棟 Danny Amazonas

      Spring Break, 2021
      119 x 167 cm (h x w)
      布/線 Cloth & String
    • 邱奕寧 Chiu Yi Ning

      風還在的時候II While the wind is still, 2021
      46 x 92.5 cm (h x w)
      ink on paper 水墨 紙本
    • 邱奕寧 Chiu Yi Ning

      大理石公園 I Marble Park I, 2021
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    • 邱奕寧 Chiu Yi Ning

      迷失在雲端的用戶們 V Users lost in the cloud V, 2021
      28 x 21.5 cm (h x w)
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